I 12 migliori dipinti della National Gallery di Londra

Siete alla ricerca di cosa vedere e fare a Londra e siete amanti dell'arte? Il Bacco e Arianna di Tiziano, la Venere di Rokeby di Velazquez, i Girasoli di Van Gogh, l'Autoritratto di Rembrandt, l'Audace combattente di Turner, oltre ad altri 2.300 dipinti e affreschi, sono attualmente esposti alla National Gallery di Londra.

Fondata nel 1824 con soli 38 dipinti, è diventata il vero fiore all'occhiello con la sua notevole rappresentazione del meglio dal XIII al XX secolo in terra inglese. Ma quali sono le sue opere migliori? In questa pubblicazione condividerò con voi i migliori dipinti da non perdere secondo gli specialisti, tutti organizzati in base all'anno di creazione. Andiamo avanti!

Questo capolavoro di Jan van Eyck è una delle opere più enigmatiche della storia dell'arte. Raramente nel XV secolo venivano dipinti ritratti a figura intera, e questo ritrae non una ma due persone: le "Nozze Arnolfini".

Questo non è un ritratto ordinario, è un capolavoro! E con una storia movimentata di viaggi, furti e saccheggi, fu Ferdinando VII a recuperarlo e a donarlo all'Inghilterra. Questo dipinto ha centinaia di interpretazioni del suo simbolismo ed è una delle rappresentazioni più convincenti di persone dell'epoca, nel grembo della loro casa, dimostrando la maestria di Van Eyck nella gestione delle luci e delle ombre, così come la sua meticolosa attenzione ai dettagli.

Questo dipinto è uno dei gioielli dei 30 musei più famosi del mondo e potete dare un'occhiata all'opera nella Sala 28 della National Gallery di Londra.

Paolo Uccello è stato un pittore rinascimentale noto per l'uso della prospettiva e dello scorcio, nonché per la sua capacità di cogliere dettagli intricati nei suoi dipinti. Lo dimostra quest'opera, uno dei 100 migliori dipinti di Londra secondo TimeOut.

Raffigura una battaglia tra soldati fiorentini e senesi. I fiorentini hanno vinto la battaglia, ma il cavallo di Tolentino è dipinto in modo così dettagliato da sembrare che stia caricando verso lo spettatore.

I tre pannelli che raffigurano la battaglia furono presumibilmente commissionati dalla famiglia Medici, che li tenne fino agli ultimi giorni di Lorenzo de' Medici nel 1492.

È una delle opere più importanti del Rinascimento italiano. Fu dipinta nel 1501, quando Venezia era al vertice delle capitali europee e i Bellini stavano conquistando la scena artistica. È un perfetto esempio del connubio tra arte e potere di quel periodo.

Il dipinto ritrae il doge o "supremo magistrato" dell'oligarchia che governava Venezia. I lineamenti dell'uomo sono immobili e riflettono i tratti dell'onnipotenza romana. La luce anima l'intera superficie, soprattutto gli ostentati damaschi di filo d'oro e d'argento provenienti dalla terra turca.

Un'osservazione più attenta del dipinto rivela i diversi strati di pittura a olio che ne compongono il rilievo, perché per Bellini il gioco di luci e ombre era più importante della forma, come nota lo storico tedesco Robert Suckale nel suo libro "I maestri della pittura occidentale".

È una delle più importanti opere superstiti di questo periodo dell'arte rinascimentale italiana. La composizione si ispira a un'opera di Da Vinci intitolata "Madonna Benois", e il risultato è una delle 10 opere imperdibili della National Gallery di Londra secondo gli specialisti di Art & Auctions.

In questo dipinto, Raffaello Sanzio raffigura la Vergine Maria giovane e bella, con un'espressione rilassata come simbolo della sua vicinanza all'umanità. Indossa un abito elegante con ampie maniche e un mantello di pelliccia sulle spalle. La mano destra della Vergine è appoggiata sul grembo e tiene un garofano o un bocciolo di rosa davanti al seno, motivo per cui questo dipinto è conosciuto da alcuni come "La Vergine delle rose".

Si tratta di un dipinto mistico ed esistono due dipinti con lo stesso nome. Il primo risale al 1486 ed è esposto al Museo del Louvre. Il secondo, dipinto un decennio dopo, è esposto nella Sala 9 della National Gallery di Londra ed è nella top 20 dei dipinti più visitati della National Gallery di Londra.

Secondo i curatori, la narrazione centrale del dipinto ruota attorno a una Vergine dalla pelle pallida appena uscita da una grotta, ma esistono due teorie:

• La prima indica la Vergine che benedice l'umanità mentre emerge da quelle pareti.
• La seconda propende per una visione più umanistica che segue il mito della caverna di Platone.

Quale teoria è corretta? È uno dei tanti enigmi da decifrare nel Codice da Vinci. E a questo mistero si aggiunge la possibilità che Giovanni Ambrogio de Predis, assistente di da Vinci, possa essere l'autore materiale dell'opera.

Si tratta di un impressionante dipinto a olio che raffigura Bacco, il dio romano del vino, e la sua follia alla ricerca dell'amante perduta, Arianna. Il dipinto fu realizzato nel 1523 per Alfonso I d'Este, duca di Ferrara, come commissione per una serie di affreschi e dipinti mitologici per il Camerino d'Alabastro.

È interessante notare che, mentre lo spettatore dilettante è distratto dall'armonia cromatica di Tiziano, sul lato sinistro l'abile pittore ricrea l'origine mitologica della Costellazione Boreale, dato che il dono nuziale di Zeus consisteva nel trasformare la corona della sposa in questo raggruppamento di stelle.

Per vedere nel dettaglio quest'opera fondamentale alla National Gallery di Londra, recarsi alla sala 10.

Van Rijn Rembrandt era all'apice della sua carriera quando dipinse l'Autoritratto all'età di 34 anni. Era il pittore più celebre dei Paesi Bassi e faceva parte di circoli sociali esclusivi.

L'artista rispecchia un nobile di alto rango, dal carattere imponente, dalle vaste ricchezze e dal potere che gli derivava dalle sue doti artistiche e umanistiche, anche se non possiamo trascurare il fatto che la fortuna gli sorrise dopo il matrimonio con la cugina Saskia. Infatti, 29 anni più tardi, dopo la morte di Saskia, nel suo Autoritratto all'età di 63 anni, l'impronta è ben lontana dall'originale.

Rembrandt era uno specialista nel ritrarre le tradizioni dell'alta società, in particolare tra i ritratti di gruppo, e il suo contributo all'arte barocca è acclamato sulla scena internazionale, come conferma, ad esempio, il celebre scultore Auguste Rodin.

Chi è la donna del dipinto? Gli esperti non hanno decifrato esattamente l'enigma, ma quel che è certo è che l'opera appartiene al maestro spagnolo della pittura barocca, Diego Velázquez.

Questo dipinto a olio sembra seguire la personificazione dell'amore tra le sue curve. La Venere allo specchio è l'unico nudo superstite del pittore sivigliano e uno dei più interessanti dipinti dedicati alla femminilità, forse realizzato durante il secondo viaggio dell'artista in Italia.

L'artista era poco interessato al volto di questa dea mentre muoveva una pennellata dopo l'altra sul "Rokeby", in sostanza è la bellezza femminile che voleva ritrarre. Ammirate questo dipinto da vicino nella Sala 30 della National Gallery di Londra.

La traduzione di questo dipinto è piuttosto controversa: alcuni lo chiamano Giovane donna in piedi davanti alla spinetta, altri Giovane donna in piedi davanti alla spinetta, anche Giovane donna seduta davanti alla vergine o Signora seduta presso la vergine.

Questo dipinto è un eccellente esempio di pittura olandese del Secolo d'Oro. Il maestro della luce e del silenzio è noto per l'uso del colore, per la serenità delle sue opere e per il lavoro con le luci e le ombre, come in questo caso, in cui ha consapevolmente ridotto la tavolozza per contrastare le texture.

Il dipinto più famoso di Johannes Vermeer è "La ragazza con l'orecchino di perla", interpretato da Scarlett Johansson e Colin Firth nell'omonimo film del 2003. Tuttavia, questo dipinto entra nella top 20 delle opere più visitate alla National Gallery di Londra, secondo il rapporto della galleria stessa.

Si è piazzato al secondo posto come dipinto più bello della National Gallery di Londra in un sondaggio della BBC, anche se la sua storia è inciampata agli inizi.

Con una squisita rappresentazione di una scena tra il Suffolk e l'Essex, Constable fa capire perché è considerato uno dei precursori dell'Impressionismo.

Nonostante la sua visione rivoluzionaria e la medaglia d'oro vinta a Parigi per questo dipinto, ci sono voluti cento anni prima che il dettaglio dell'opera di Constable venisse apprezzato, ma è possibile ammirarlo nella Sala 34 della National Gallery di Londra.

Questo dipinto è un esempio straordinario della maestria di Joseph Mallord William Turner in fatto di luce e colore. La scena è un tramonto con lo sfondo di un cielo così sfocato da sembrare quasi un'illusione.

Nel migliore stile romantico, questo esperto paesaggista registra nella sua opera i giorni di gloria dei velieri, ricordando al contempo la fine della loro età dell'oro. Alla vigilia dei festeggiamenti per il 200° anniversario della National Gallery di Londra, è stato indetto un sondaggio per individuare la migliore opera della galleria tra i critici e i visitatori; questo è stato il dipinto vincitore e lo si può visitare nella sala 34.

La nave che viene trainata lungo il Tamigi si chiama "The Daredevil", e arriva a destinazione per essere demolita dopo la battaglia di Trafalgar del 1805. Il rimorchiatore che la traina ha una sagoma scura in primo piano e l'artista non intendeva realizzare una replica esatta dell'originale, poiché l'intento era quello di riflettere la nostalgia e la perdita del passaggio dall'era agricola alla rivoluzione industriale.

Questa è una delle sue tre opere originali con 15 girasoli al mondo.

La Natura morta di girasoli è un dipinto curioso. L'intensa presenza del giallo è un fattore distintivo del pittore, così come la sua struttura e la firma quasi illeggibile vicino a una delicata linea blu, più tipica dell'artigiano che ha realizzato il vaso che del cofondatore del post-impressionismo.

Vincent van Gogh, nel tentativo di diventare discepolo di Paul Gauguin, creò questa serie di dipinti per impressionarlo, anche se la storia passò presto in secondo piano, lasciando il padre dell'arte moderna impantanato nella tristezza e nella follia fino alla fine dei suoi giorni, a soli 37 anni.